Eduardo Serrano, el arte de ser crítico

Entre lo contemporáneo y lo popular
Una vida en torno al arte. Más de 40 años de experiencia, avalan su criterio. Curador.

Vicky Salazar

LA PATRIA | MANIZALES

Aunque parece que lo ha visto todo, Eduardo Serrano Rueda todavía se sorprende con la creatividad del ser humano. Serrano Rueda, primer curador del Museo de Arte Moderno de Bogotá, historiador y crítico de arte, estuvo en Manizales donde orientó un recorrido por la exposición Arte + Vida, Relatos visuales contemporáneos. Muestra organizada por la Fundación Oncólogos de Occidente con el apoyo del Centro Colombo Americano, que tuvo como curadores a Guillermo Villamizar y Germán Ospina quienes contaron con la asesoría de Serrano.
La vida de Eduardo Serrano ha sido un crucero por los caminos del arte y la cultura. Lo primero que lo motivo a crear fue la literatura, pero la ruta lo llevó a estudiar antropología e historia del arte. De ahí en adelante su plan de vuelo ha sorteado distintas corrientes del arte, movimientos y expresiones encontradas, cambios drásticos e intempestivos de la actividad creadora a los que les ha dado una explicación.
Nació en Zapatoca (Santander), pero se crió en Barranquilla. Después de 44 años en Bogotá, aún conserva el acento barranquillero, el sabor del Caribe, la calidez en el trato, la risa ligera, y una asombrosa capacidad de creer en el talento y creatividad de la gente.

- ¿Cuál es la labor que realiza un curador?
El curador es un puente entre el artista y el público. Somos los encargados de plantear una hipótesis la cual se ilustra con las obras de los artistas. Hay curadores de distintos ordenes. Yo era curador de la colección del Museo de Arte Moderno de Bogotá, mi responsabilidad era que la colección creciera, se enriqueciera, reflejara lo que estaba sucediendo con el arte colombiano. Eso también es uno de los puntos centrales de la curaduría.

- ¿Cómo se hace la curaduría de una exposición?
El curador además de escoger e instalar las obras, le da un contenido a la exposición. Por medio de un texto que escribe y de la instalación en sí, facilita que el público entienda cuál es el sentido de la obra. En el arte contemporáneo esto es muy importante, al público hay que hacerle claridad sobre el contenido de las obras. Hay cosas que el espectador no sabrá sobre ellas, sino se le explica.

- ¿Cómo es la relación entre el curador y el artista?
Se mantiene un dialogo entre ambos. Es muy enriquecedor para el artista, también lógicamente para el curador, pero nosotros no exponemos. Es muy interesante porque los artista saben que uno ha estado siguiendo su obra, entonces se les puede decir dónde deben corregir algo. Los artistas necesitan una mirada exterior, uno mismo no es capaz de ver su obra, para comentar sobre lo que está haciendo.

- ¿Cómo se organiza una exposición?
Comienzo pensando en el tema sobre el que quiero hacer la exposición, por ejemplo sobre la topografía de Manizales. Entonces se empiezo por buscar a los artistas que han tratado ese tema, y con ellos armo la exposición. A partir de ahí se le da el sustento teórico que explica como la topografía de Manizales ha sido fuente de inspiración para los artistas de la región.

- ¿En el arte contemporáneo se necesita el discurso?
La palabra escrita o la palabra hablada es indispensable en el arte contemporáneo. En el arte moderno no tanto. Y eso hace que mucha gente se resista al arte contemporáneo. Muchos piensan que una obra de arte debe hablar por sí sola, que no tiene por qué tener un traductor, que no tiene por qué tener un intérprete. Recuerda, sonríe y dice: para Andy Warhol los interpretes eran: "translators are traitors (los traductores son traidores) porque los intérpretes dicen lo que quieren sobre la obra y no lo que el artista quería decir", entonces hay que tener mucho cuidado con eso.

- ¿Entonces qué es lo más importante en el arte contemporáneo?
En el arte contemporáneo la estética no cuenta, esta pasa a un segundo lugar y lo que tiene importancia es el contenido de la obra, lo que te hace pensar en algo, es una obra dirigida a la mente y no a los sentidos. No es me gusta, no es me deleita, no es el goce estético que era la obra en el arte moderno, sino está dirigido a la mente, que te haga reflexionar sobre un problema.

- ¿Pueden los artistas de hoy vivir del arte?
El arte ha cambiado mucho. Hoy día viven de premios, de ser profesores de arte, de intercambios con otros países, de residencias, de bienales, pero no de su obra, es muy difícil. Hay excepciones, a Doris Salcedo el Banco de la República le compró una obra por 800 millones. Entonces hay unos artistas que logran ese estatus y otros nunca llegarán a ninguno.

- ¿Cómo ve el auge de la fotografía?
La fotografía es el arte del siglo XXI. Esta ha reemplazado mucho a la pintura. Grandes exposiciones son de pintura y fotografía, o de fotografía sola. Hoy todo el mundo puede hacer una buena foto, hay cámaras maravillosas y uno no puede saber si está hecha por un profesional o por un aficionado.

- ¿En qué ha cambiado?
La fotografía ya no es documental, antes se preocupaban por capturar una buena expresión, un instante en particular, eso ya pasó a la historia. Hoy la fotografía es construida: la gente pone una oveja aquí y un lobo allá y toma la foto, es una composición hecha, una historia preconcebida. La fotografía digital ha inundado al mundo de tal manera, y todas las imágenes son buenas, ahora todas las cámaras son maravillosas, casi que hacen solas el trabajo.

- ¿El diseño a través de medios digitales es arte?
Es arte. Si hay creatividad en la manera en que están hechas las cosas, y si hay una expresión, que puede ser una idea, una imagen, un sentimiento, una emoción, un pensamiento, y están bien expresadas a través de cualquier medio, hay arte.

Arte Popular
- Usted asegura que todo ser humano es un artista
Eso lo creo, en todo hombre es inherente la facultad creadora. Todos somos creativos. Por eso trabajo con arte popular también, trabajo con la BAT, no entiendo por qué un artista tiene que ser avalado por una academia, allí aprenden técnicas, los empíricos también son muy buenos artistas.

- ¿Qué es lo más importante para ser un artista?
Hoy en día hay que decir algo pertinente, algo que tenga validez para la gente, algo que tenga validez para la sociedad, para el hombre contemporáneo, buscar un tema cualquiera que enseñe, que comunique conocimiento. Toda persona por sencilla o iletrada que sea, ha tenido que confrontar la vida de alguna manera y ha aprendido algo, y tiene un conocimiento que puede comunicar, eso es lo más importante, por eso me interesa otra vez el arte popular.

- ¿Cómo nació el Salón de Arte Popular BAT?
Yo era director de Artes del Ministerio de Cultura y me invitaron a Venezuela a ser jurado de un Salón de Arte popular. De ahí me vine con la idea, porque Venezuela es muy avanzada en arte popular, lo mismo que México y Perú. Conversé con la ministra, y la Fundación BAT, creada por la compañía British American Tobacco Colombia, ya estaba proponiendo algo similar, entonces empezamos a trabajar juntos.

- ¿Si todos son artistas por qué se divide el arte en popular y culto?
Todo el arte debería ser popular. Este es un arte elitista que la gente no entiende, por eso defiendo que todo el arte debería ser popular. Y los artistas deberían ser todos, artistas populares. No se deben producir cosas para un cogollito elitista que ha visitado los museos en Nueva York y París, y quién sabe si entienden lo que ven. Me da risa eso que hacen los museos cuando le dan entrada gratis a los niños pobres a ver si entienden. Los niños no entienden este arte, van y no entienden nada, es absurdo, una locura, por eso debería ser una sola cosa para todos.

- ¿Qué papel juegan los medios de comunicación en la formción de público?
Total. Y es una lástima lo que ha pasado, porque la información cultural en los medios se ha trivializado mucho, se ha vuelto light. Lo que interesa es el espectáculo, la forma más que el fondo, en muchos medios el cubrimiento de un evento cultural, o una exposición, se quedó en el coctel, pero en ninguna parte dicen de qué se trató la exposición o el concierto, es triste esa es toda la información que hay. En el libro "La civilización del espectáculo" de Vargas Llosa, está dicho todo.

- ¿Los artistas están interpretando lo que pasa en el país?
Eso ha sido el tema recurrente durante los últimos 10 años, pero como esta es una generación que creció en red, que si si bien tiene en cuenta el contexto nacional, está en un nivel globalizado, vive conectada a un computador, a un medio digital, entonces la violencia ha pasado a un segundo plano y los temas que están tratando son más universales.

- ¿Que necesita un artista para encontrar su estilo?
Ya eso no se necesita. Lo que valen son las ideas no la estética.

- ¿Como está el arte en Colombia?
El arte colombiano está al mismo nivel del arte internacional, está tratando los mismos temas. Los artistas colombianos tienen exactamente las mismas preocupaciones que los artistas de cualquier otro país, y por eso el arte colombiano ha salido más al exterior. Antes no, porque era un arte muy provinciano, y aunque le ha ido mejor al arte colombiano en el exterior, ha perdido carácter, ya no es tan auténtico, hay un poco de snob.

- ¿A qué se debe el cambio?
El mundo se globalizó, y eso me preocupa porque el arte se homogeneizó. En todas partes se hace lo mismo. Todo el mundo está en Internet y todos están pendientes de lo que dijo el crítico en Miami, en París, Nueva York o Hong Kong. Si vas a cualquier feria de arte, desde Shangai hasta Nueva York, todas son iguales, por eso el arte popular es un freno a eso, se mantiene en sus raíces.

- ¿Cómo están las galerías de arte?
Las galerías han tomado fuerza con las ferias, pero creo que están mandadas a desaparecer porque el arte ya no pasa en las galerías, pasa en la calle, en los parqueaderos, en los almacenes, en cualquier parte.

- ¿El arte es una inversión?
Sí ha tomado una fuerza increíble, pero fíjese que es el arte muy caro el que la gente compra. En las ferias que van de Shangai a Estambul y de ahí a París y Barcelona, participan los mismos artistas y las mismas galerías y las visitan los multimillonarios que vuelan desde Miami en sus aviones privados. Son gente tan rica que compra un Picasso, lo mismo que compra un Ferrari, o un yate, y es el arte que se está vendiendo, lo que importa es cuánto cuesta, y casi siempre supera el medio millón de dólares.

F​rase
"En Colombia salen al año 500 estudiantes de las facultades de arte y no todos son artistas".

Arte + Vida, en sus palabras
* En esta exposición buscamos una obra comprensible para un mayor grupo de gente.
* El tema no podía tener tanta violencia, para que se entienda por fuera del país.
* En esta exposición nos preocupamos porque todas las obras tuvieran un sentido estético.